martes, 14 de marzo de 2017

Las 5 peliculas: Año 1934

En el año 1934 se implantó el código Hays, si bien se venia desarrollando desde 1930, este año seria en el que la ley de censura entrara en vigor. El código Hays fue creado por la propia asociación de productores de Hollywood a "sugerencia" de uno de los lideres del partido republicano del que tomó el nombre, William H. Hays y se mantuvo en vigor durante 33 años.
¿Que era el código Hays? simple, una serie de normas de lo que se podía y no se podía exhibir en una pantalla de cine al publico, cuyos tres artículos principales eran los siguientes:

. No se autorizará ningún film que pueda rebajar el nivel moral de los espectadores. Nunca se conducirá al espectador a tomar partido por el crimen, el mal, o el pecado.
. Los géneros de vida descritos en el film serán correctos, tenida cuenta las exigencias particulares del drama y del espectáculo.
. La ley, natural o humana, no será ridiculizada y la simpatía del público no irá hacia aquellos que la violentan.

Otras curiosas normas que contenía el código Hays, era que establecia el numero de segundos de un beso mostrado en pantalla, la mujer nunca podría enseñar el ombligo, las técnicas del robo, de la perforación de cajas fuertes y el dinamitado de trenes, minas y edificios, no deben ser detalladas o las danzas que sugieran o representen actos sexuales o pasionales indecentes están prohibidas. Un autentico disparate que mermó la capacidad de creación y libertad de los autores.

Ademas de las producciones que vamos a referenciar mas adelante ,no quisiera dejar de mencionar otras obras: continua la colaboración entre Josef von Sternberg y Marlene Dietrich y este año estrenaran "Capricho Imperial", Ernst Lubitsch estrena "La viuda alegre", Howard Hawks nos trae "La comedia de la vida" o King Vidor "El pan nuestro de cada dia". En Europa, concretamente en Francia se realiza una versión de "Los Miserables", en Italia un joven de origen Alemán llamado Max Ophüls rueda "La mujer de todos". Desde Japón siguen viniendo grandes títulos, como "Historia de las hierbas flotantes" de Yasujirô Ozu, o "Callejón sin salida" de Mikio Naruse.
El genero documental tendrá una de sus joyas mas reconocibles con "Hombres de Aran" de Robert J. Flaherty.


Premios



Sucedio una noche



Nos encontramos ante la primera gran película de Frank Capra, y la primera película en conquistar el Oscar en las cinco categorías principales, (Película, Director, Actor, Actriz y Guion) hecho solo repetido desde entonces en otras dos ocasiones: "Alguien voló sobre el nido del cuco" en 1975 y "El silencio de los corderos" en 1991. Se la considera también la primera gran screwball comedy, uno de los subgéneros mas reconocibles y duraderos, que se desarrollo principalmente en los años de la gran depresión. La premisa de la screwball comedy es mostrar en la historia a una mujer fuerte y decidida, cuya relación con el protagonista centra la historia, y se reconoce por una rapidez en los diálogos, cargados de una gran critica social. Sucedio una noche también esta considerada como una de las primeras Road Movies. La película esta protagonizada por Clarke Gable y Claudette Colbert dos auténticos pesos pesados en aquella época.

La trama es sencilla, una caprichosa y alocada joven de una acaudalada familia, decide huir de su casa debido a que su padre tiene la intención de casarla con un joven prometedor, ella se niega a casarse, ya que esta prometida con un gigolo al que no quiere renunciar, ante esa tesitura decide saltar del yate del padre rumbo a coger el primer autobús que encuentre con destino a Nueva York, donde podrá encontrase con su amor. En ese autobús se encuentra un periodista recién despedido, con un espíritu de vividor, que ve en la chica la oportunidad de relanzar su carrera, si consigue dar la exclusiva de lo que estaba sucediendo. El viaje en el autobús les dará la oportunidad de conocerse verdaderamente.

Fue un éxito sin precedentes, nadie considera esta película una autentica obra maestra, pero el publico estaba necesitado de reír y de disfrutar durante al menos dos horas, y acogió la cinta de una manera espectacular, la química entre los dos actores hizo el resto, sin duda la presencia carismática y arrolladora de Gable había encontrado su alter-ego en Colbert y juntos firman una pareja memorable. El director, Frank Capra, también puso su granito de arena, es capaz de plasmar una sociedad llena de penurias, que logra sobrevivir el día a día con animo y sonrisas, retrata de una forma magistral la típica historia de amor entre rico y pobre, y la nutre de unos diálogos y una critica hasta entonces desconocidos. Gran merito también tuvo Robert Riskin, el guionista, que supo llevar a la perfección la historia a la pantalla de cine, la historia que se había hecho famosa en las paginas de una famosa revista.
Van a pasar hora y media de risas, y creo que no pueden desaprovechar la ocasión de conocer a Frank Capra y disfrutar de su cine, reirán y conseguirá que se sorprenderán como en pocas ocasiones lo han hecho, por ejemplo con la famosa escena del auto-stop, o con una cuerda, o con una trompeta o sino con una manta. Pero dentro de ese tono no dejen de reparar en los diálogos y como Capra los carga de mensajes para tratar de conseguir una sociedad mas justa.
PREMIOS:  Ganadora de 5 Oscars, Pelicula, Director, Actriz, Actor y Guion.


L´Atalante




En el articulo anterior (cine de 1933), hacíamos referencia al director Francés Jean Vigo, con motivo del estreno de su mediometraje Cero en conducta, este año estrenaría el que fuera a ser su único largometraje, y del que no pudo disfrutar de su éxito, debido a su muerte repentina y prematura el 5 de Octubre de 1934, solo 3 semanas después de su estreno en cines, y debido también a la mutilación que realizo la productora sobre su obra en el momento de estrenarla, ya que dejó la duración inicial de 89 minutos, en tan solo 67 minutos.

L´Atalante es el nombre de una embarcación que surca los canales fluviales, de puerto en puerto y de recado en recado, en ella se han subido una pareja de recién casados: Jean (Jean Dasté) y Juliette (Dita Parlo), dispuestos a pasar su luna de miel en el mismo. En la embarcación se encuentra Jules, el tío de Jean, desde hace un tiempo es el hogar del tío y se convertirá en el de la pareja, un lugar sin ningún tipo de intimidad ni comodidades, repleto de los gatos que cría Jules. Con cada parada de la embarcación se suceden acontecimientos que influirán en la relación de los recién casados, hasta que desemboca finalmente en una parada realizada en París, donde Juliette decide dar un grado mas de emoción a su vida, escapándose con un artista que conoce. Jean, loco de celos, parte con la barca sin que ella pueda regresar, y ante el estado de su sobrino, casi al borde de la locura, Jules decide regresar a París en busca de la esposa

Plagada de un lirismo poético propio del director, es una película ideal para sentir la poesía en cada fotograma, dotada de una delicadeza excepcional y de un dramatismo, que te conmueve sin caer en la ñoñeria y la sensibilidad fácil. Después de su visionado es casi imposible no acordarse de esa obra maestra de F.W.Murnau, titulada Amanecer, ya que existen características bastantes parecidas entre ambos títulos. Pero no solo se iba a quedar en una historia de amor, Jean Vigo aprovecha, y lanza una critica feroz sobre la sociedad Francesa de ese momento, y en el vicio de las apariencias que se había instaurado en aquella época, convirtiendo su obra en un film profundo y cargado de mensaje, no resulta extraño que la pelicula pasase sin pena ni gloria en su estreno, siendo en los años 50 y en los cineclubs, donde recuperaría toda su magnitud, catapultandola como una de las mejores películas de la historia del cine.
Una vez vista L´Atalante y sus anteriores obras, al cinefilo seguro que le queda un poso amargo al pensar en lo que podría haber llegado a ser en el cine el director Jean Vigo, si una enfermedad no hubiese truncado su vida tan joven.


El hombre que sabia demasiado




Alfred Hitchcock seguia desarrollando su carrera en su Inglaterra natal, antes de dar el salto a Hollywood, y sigue dejándonos obras realmente muy estimables y estimulantes para el cine, en esta ocasión, y tras los fracasos tanto de publico, como de critica, que tuvo con "Lo mejor es lo malo conocido", "El número 17" y "Valses de Viena". Estos reveses, hizo que Hitchcock estuviera pasando un momento delicado en su carrera, se había alejado del genero de suspense y no disfrutaba haciendo cine, para colmo su productora estaba a punto de finiquitar su contrato, debido a los malos resultados, cuando Michael Baldon (el que fue su descubridor), le regala un guion de Charles Bennett para reflotar su carrera, una vuelta a los orígenes, (de hecho su primer éxito estaba basado en un guion de Charles Bennet), llega el momento de volver al primer plano al cine Britanico con "El hombre que sabia demasiado".


La película nos cuenta el viaje de un matrimonio (Bob y Jill) con su hija a Suiza, allí conocerán a un hombre de nacionalidad francesas, mientras se esta desarrollando un baile en un salón, este recibe un certero disparo en el corazón, provocandole la muerte y el estupor en el matrimonio, ya que justo antes de morir el amigo, le pide a Bob que vaya a su habitación, recoja unos documentos, y se los entregue a las autoridades. Tras ver esos documentos, Bob descubre que el hombre era un espía Ingles, y que andaba detrás de una organización para evitar la muerte de un famoso político. Mientras Bob se dirige a entregar los papeles, recibe una extraña llamada telefónica que le hace una advertencia: Como entregue los papeles a las autoridades, su hija sufrirá las consecuencias.

Años mas tarde el propio Alfred Hitchcock, realizaría un remake de "El hombre que sabia demasiado", en esta ocasión cuando desarrollaba su carrera en Estados Unidos, con un presupuesto mas alto, misma temática, pero diferentes matices, cambio de lugar del suceso, en vez de una hija tienen un hijo o el credo religioso de la iglesia donde van. Esta segunda versión esta considerada por la critica en general como superior a la de 1934, pero sin duda merece un visionado esta primera para ver el germen del éxito de la de 1956, y si bien esa versión contaba con James Stewart, aquí nos encontramos con un Peter Lorre en un eterno estado de gracia, después de interpretar la película de Fritz Lang "M, el vampiro de Dusseldorf", ademas podemos comprobar en pantalla, las innovaciones que poco a poco Hitchcock iba introduciendo en su cine, solo habían pasado 6 años desde que el sonoro había llegado y quedaba mucho por descubrir.

La cena de los acusados




La película de la que os vamos a hablar esta dirigida por W.S. Van Dyke, quizás no sea de los directores mas conocidos de aquella época, ademas el infortunio hizo que perdiera la vida a los 54 años debido a un cáncer, con las dos grandes guerras durante su vida (a la segunda incluso estuvo alistado), dio poco margen para desarrollar una larga y reconocible carrera, pero si nos detenemos un poco en su filmografia, y vemos títulos como "San Francisco", "El enemigo público número uno" o "Tarzan de los monos" nos podemos hacer una idea de la versatilidad y el buen hacer de este director americano.

Con la cena de los acusados, inicio una saga de cuatro películas que se conocen como "La serie Thin Man", estas fueron comedias con cierto aire de misterio, y todas ellas protagonizadas por una pareja de actores muy en boga en ese momento, nos referimos a William Powell and Myrna Loy, que interpretan al matrimonio Charles y que tuvieron como base de unión que eran adaptaciones de las novelas del escritor Dashiell Hammett.
En esta primera nos presentan a un matrimonio muy bien avenido, el amor fluye alrededor de ellos y su nivel económico les hace llevar una vida sosegada y sin preocupaciones, Nick (William Powell) es un policía retirado, su tiempo lo pasa en fiestas de alto standing y bebiendo una copita para celebrarlo, Nora es su esposa y ha desarrollado un especial olfato para resolver misterios. Llega a su conocimiento por casualidad la desaparición de un prestigioso inventor de la ciudad, su hija esta desesperada y acude a ellos, después de la desaparición poco a poco va apareciendo muertas, ciertas personas del circulo del desaparecido sin que haya una explicación de sus muertes. El matrimonio poco a poco irá descubriendo de forma muy sutil, el motivo de la desaparición del inventor y sus consecuencias.

La química de los dos interpretes es casi perfecta, conformando una pareja muy divertida, es difícil calificar a esta película de comedia aunque estas con una sonrisa casi perpetua, o cine negro aunque tiene ciertos elementos que la acercan mucho o policial, que aunque se trate de resolver un caso, el tono y la forma no es la ideal, seguramente esa mezcla realizada por W.S. Van Dyke tenga gran culpa del éxito, y de que disfrutemos de ella sin ningún tipo de reparo
PREMIOS:  Nominaciones al Oscar a Película, director, actor y guión adaptado.

El enemigo publico nº 1




Y por extraño que pueda resultar no cambiamos de director, y un director para muchos ni conocido, ni reconocido, nueva obra de W.S. Van Dyke, en esta ocasión pasamos al genero de los Gangster, con una historia que ocupa varias etapas en la vida de los personajes. Una de las muchas películas que del genero predominaron en aquellos años 30, en esta ocasión con una historia de amor dentro de ella que es lo que quizás sea lo mas característico de esta película.

La película se inicia con la presentación de una amistad, la amistad fomentada en la desgracia y la adversidad, de dos niños que en un accidente pierde a sus familias, en ese mismo accidente un anciano que tambien ha perdido a sus hijos les sugiere la posibilidad de que vivan los dos junto a él. Pasan los años y van creciendo y cada uno toma su camino, uno cae en brazos de la delicuencia, mientras que el otro va ascendiendo en la carrera judicial hasta convertirse en un politico de renombre. Con ocupaciones tan distintas la amistad se mantiene pero poco a poco iran surgiendo inconvenientes que pongan en duda la misma hasta que la aparición de una mujer desencadene el desenlace.

La ventaja que tiene contar con la actuación de dos pesos pesados como fueron Clark Gable y William Powell hizo de esta película un absoluto éxito y un reclamo casi perfecto para los espectadores, en aquellos años Gable se estaba consolidando como uno de los mejores actores del panorama, pero sumen y cuenten también con Myrna Loy que junto a William Powell protagonizaría la serie sobre "Thin Man" que en la película reseñada justo antes, esta produccion fue el espaldarazo para que Van Dyke los eligiera como la pareja perfecta para su siguiente proyecto. Ademas contamos al guion con Joseph L. Mankiewicz, del que nadie espero necesite presentación, estamos sin duda ante una obra de una importancia mayúscula. Tratándose de una película de Gangster, llama la atención que no se centre en las andanzas de estos, y en el imperio del crimen y el terror que acompañaban en la ciudad a estos, sino que el director decide encaminarlo a la relación entre los dos personajes, vamos a ver pocas escenas de violencia física, pero en cambio el conflicto moral y la relación sentimental marcaran el devenir de la película.
PREMIOS. Oscar al mejor Guion

Otras obras a resaltar en 1934

La alegre divorciada
De nuevo juntos en una película, Ginger Rogers y Fred Astaire, nuevamente el musical por todo lo alto, donde la pareja nos da una magistral lección de baile y nos deja uno de los números mas largos de la historia del cine musical, una representación de 17 minutos verdaderamente maravillosa.
La trama, Guy Holden se encuentra por Europa de viaje en compañía de su abogado (Egbert) despues de una exitosa gira musical, camino de Inglaterra sucede un incidente en la aduana Francesa, donde conoce a Mimi Glossop. Pasa el tiempo y una vez establecidos en Londres vuelve a tener un encuentro casual con ella. Ahí es donde Guy queda profundamente enamorado de Mimi, sin saber que se trata de una mujer casada, en proceso de divorcio, cuyos trámites está llevando su amigo abogado. Guy, Egbert, Mimi y su tía volverán a coincidir en un hotel de la costa en el que se van a producir una serie de equívocos.
PREMIOS: Oscar a la mejor cancion

Satanas
Con el subtitulo en el titulo de "El gato negro" esta película dirigida por Edgar G. Ulmer, junta a la pareja mas famosa del cine de terror de la Universal, nos estamos refiriendo a Bela Lugosi y Boris Karloff. Esta basada en una obra de Edgar Allan Poe y en ella se nos narra el viaje de luna de miel que realiza una pareja a Hungria, en un trayecto en tren conocen a un enigmático personaje Vitus Werdegast, que vuelve a su tierra después de muchos años ya que tiene cuentas pendientes que cerrar. Al dejar el tren suben en un coche y sufren un accidente falleciendo el conductor, la esposa queda herida, sugiriéndoles el Sr. Werdegast, que se alojen en la casa de un amigo hasta que puedan encontrar ayuda.
Película menor de la Universal, con muchos fallos de guion y sin sentidos, con la pareja interpreta al matrimonio de escasa calidad actoral, sin duda el reclamo mas importante para su visionado es ver juntos a esos dos "monstruos" de la interpretación del cine de terror. Aun así el director se esfuerza en crear una atmósfera romántica y un estilizado expresionismo que sin duda salva el film.

Imitacion a la vida
Claudette Colbert (a la que ya hemos visto en Sucedió una noche) es sin duda el plato fuerte de este melodrama basada en la novela de Fannie Hurst, en ella se nos narra las vivencias de una viuda de raza blanca, que para tener sustento económico, se une a su sirvienta de raza negra y se dedica a vender la repostería que ella hace. El choque racial esta presente y las dos mujeres tendrán que luchar por que su asociación se vea como algo natural. La película es en ella misma un drama familiar, con un drama racial ,pero también tiene su vertiente feminista muy meritoria para la época en la que esta rodada, ya que la protagonista se tendrá que enfrentar a un mundo prácticamente destinado a los hombres, obteniendo unos resultados realmente magníficos.

La Isla del tesoro
No nos encontramos con la versión mas conocida del clásico de Robert Louis Stevenson, pero si la cinta viene firmada por Victor Fleming sin duda nos vamos a encontrar con una obra que merecerá mucho la pena. El argumento debe de ser de sobra conocido para todos, el clásico de la aventura de piratas mas universal y el mapa mas deseado por todos los piratas de la tierra en manos de un niño. La historia esta magníficamente interpretada por Jackie Cooper y Wallace Beery el primero un niño prodigio que ya empezaba a destacar por sus interpretaciones, el segundo un peso pesado, que en 1931 había conseguido un Oscar como mejor actor.
Una de las mas notables cintas de aventuras del incipiente cine sonoro, que ha quedado eclipsado por la versión que hizo la Disney en 1950

La patrulla perdida
Sorprende que de John Ford hasta ahora solo hayamos mencionado en 1925 su obra "Tres hombres malos" pero lo mejor aun estaba por llegar a pesar de que llevara muchos años trabajando en Hollywood. Una de sus primeras obras destacadas en el cine sonoro fue esta "La patrulla perdida", cine Belico de Aventuras, porque si bien se desarrolla en un conflicto, sin duda el plato fuerte de la película son las andanzas de esa patrulla por el desierto de Mesopotamia en plena Primera Guerra Mundial, después de que un disparo acabara con la vida del oficial en mando, perdidos y sin nadie que supiera donde tenían que dirigirse el sargento toma el mando del grupo con el objetivo de encontrar un oasis donde puedan salvar sus vidas.
Obra por debajo de lo que el maestro nos enseñaría en las siguiente décadas pero muy estimable de ver.

¿Y en español que... ?

Poco que destacar en España, quizás una nueva versión de "La hermana San Suplicio", en esta ocasión dirigida por Florian Rey y con Imperio Argentina como máxima estrella, una nueva obra donde enseñar el floclore musical del país.
Podemos también hacer referencia a "El compadre Mendoza" produccion de Mexico, obra dirigida por Fernando de Fuentes e inscrita como la que reseñamos en el articulo de 1933 en la trilogía sobre la revolución Mexicana, en esta ocasion nos narra la historia de un terrateniente que en plena revoluciona sobrevive haciendo y pidiendo favores a ambos contendientes.


lunes, 13 de febrero de 2017

Las 5 peliculas: Año 1933

Si 1931 fue el espaldarazo al cine de terror y de Gangster, en este 1933, el protagonista sera el cine Musical, aun lejos de las grandes obras maestras que vendrían después, en este año se desarrolla una evolución muy evidente, de aquellos primeros intentos que se hicieron tras la llegada del sonido, y se comprobó claramente que podría ser un tipo de cine de gran consumo. Esta establecido que 1933 fue el año del musical y el estreno de La calle 42 su pistoletazo definitivo. No solo fue esa gran obra sino que ese año se estrenaron películas como "Desfile de candilejas", "Vampiresas 1933" o "Música y mujeres" que dieron mucho brillo al genero. Es también el año del debut en el cine de la pareja Fred Astaire y Ginger Rogers en "Alma de Bailarina".
Otras producciones que podemos mencionar en 1933 es una curiosa versión del "Don Quijote" del alemán GW Pabst, "Peregrinos" de un incipiente John Ford, "Cena a las ocho" de George Cukor o "Los crímenes del museo" de Michael Curtiz
En filmografias menos conocidas destacamos la checa "Éxtasis" donde Hedy Lamar protagonizaría el primer desnudo en un film comercial, "Una canción de Lisboa" es el aporte de la industria Portuguesa, y de Japón nos llegaría "Sueños cotidianos" de Mikio Naruse y "Corazón vagabundo" de Yasujiro Ozu.
También destacan dos cortometrajes Disney, "Los tres cerditos" y "Mickey Mouse: Construyendo un edificio"


1.- King Kong



Estamos ante una de las películas mas míticas que nos ha dado la década de los 30, pero no solo la década, también esta considerada como uno de los iconos del séptimo arte, en la película es representada la historia de la bestia y la bella, una historia de amor por encima de las diferencias, pero también una historia de ambición humana, del creer que todo lo que existía en el mundo estaba ahí para nuestro disfrute, para nuestro antojo, para disponer de ello como quisiéramos, es también la historia de un monstruo, de un ser horrible que espanta a cualquiera, pero que debajo de esa imagen, hay unos sentimientos como cualquier otro humano pudiéramos tener, siéntense y disfruten de esta maravilla del séptimo arte, o como denominaron en la promoción de la película, la octava maravilla del mundo
King Kong a diferencia de otros monstruos que existieron en realidad o en la imaginación de algún escritor, le podemos considerar como el primer gran monstruo creado por y para el cine, si bien podemos detectar en su creación alguna reminiscencia a "El mundo perdido" de 1925. La película esta dirigida por Merian C. Cooper, y es quizás su obra mas conocida, junto con la versión que realizó de "Las cuatro plumas" en 1929, aunque sin duda el aspecto por el que es mas reconocido es el de productor, siendo culpable entre otros títulos, de "Centauros del desierto", "El hombre tranquilo", "Fort Apache" o "La legión invencible", casi nada, contó con la ayuda para la dirección de King Kong, con Ernest B. Schoedsack.
Los papeles protagonistas recayeron en Fay Wray y Robert Armstrong, actores sin demasiada fama, pero el objetivo era que el protagonismo fuera para el monstruo y también, porque no, para el Empire State Building, que se convierte en otro de los grandes protagonista de la película.

La trama es sencilla, un director de cine busca una actriz para su nueva película, no es capaz de encontrarla hasta que casualmente, ve en la calle a una chica, actriz en paro, que pasa malos momentos, ella no duda en aceptar el trabajo aunque tenga que hacer un largo viaje en barco. Después de una travesía, la actriz descubre que van a una isla donde quiere grabarla junto con un monstruo llamado Kong, al desembarcar en la misma, hayan una tribu prehistórica que secuestra a la actriz para ofrecérsela en sacrificio al monstruo Kong.

Automáticamente se convirtió en un éxito de público y crítica, suscitando mil y una secuelas, remakes y reinicio de saga, convirtiendo a King Kong es un referente mundial de la cultura popular. Algunos críticos han considerado a King Kong como un reflejo de la crisis que estaba sufriendo la economía en esos años.


2.- Sopa de Ganso




Los hermanos Marx de nuevo por aquí en el TOP5, siguen con su estela de éxito, de grandes películas, de dar al publico momentos de risa, siguen dejando su huella y en esta ocasión, quizás nos encontremos en el cenit de su carrera, la imprescindible Sopa de Ganso se estrena este 1933, y esta considerada por gran parte de la critica como la comedia total: esta repleta de humor absurdo, es un recital de chistes sin descanso, y se atreve a jugar con el slapstick, la sátira y el surrealismo.
Y en esta ocasión, el director elegido que iba a llevar a la pantalla la obra ideada por los Hermanos Marx, fue ni mas ni menos que el gran Leo McCarey, el culpable de traer al cine a la pareja cómica  Stan Laurel y Oliver Hardy, y que iba a realizar en esta ocasión su primera gran obra maestra.

El argumento de la misma es muy sencillo, como ocurre casi siempre en las obras de los Hermanos Marx: la República Democrática de Freedonia es un pequeño país centro-europeo, a cuyo frente se encuentra el muy liberal señor Rufus T. Firefly, pero se esta viendo amenazada por la dictadura de Sylvania, país viejo y reconocido enemigo de Freedonia, por lo que es relegado de su cargo por la rica viuda Gloria Teasedale (una vez mas Margaret Dumont en una película de los Hermanos Marx). Para evitar el enfrentamiento bélico contratan a dos espías de prestigio, Chicolini y Pinky.


Sopa de ganso tiene grandes momentos, y son muchos los ejemplos a los que nos podemos referir, destacar las continuas peleas de Chico y Harpo con el vendedor de limonada y sus juegos con los sombreros; esa memorable escena donde Groucho se enfada tras un ardiente monólogo; y como no, la escena  que ha quedado en la retina de todo amante del cine que no es otra sino la del espejo, de la cual el único protagonista es Groucho Marx.
Como curiosidades, el titulo “Duck Soup” es una frase en argot que significa 'algo fácil de hacer'. El dictador fascista Mussolini vio en la cinta una burla hacia él mismo, hecho que hizo que se prohibiera en Italia. Sin embargo no prohibió la de Charles Chaplin. La imagen de la ciudad que aparece al principio del film, que corresponderá a la villa granadina de Loja. Como homenaje al hecho, la villa andaluza le dio el nombre de mirador de Sylvania al punto desde donde se tomó dicha fotografía. En su día no tuvo el favor de la crítica ni de la taquilla, hecho que consumó la salida de los Marx de la compañía Paramount Pictures


3.- El testamento del Dr.Mabuse




Nos encontramos a Fritz Lang recuperando al detective Mabuse, en una obra demasiado moderna para la época en que nos encontramos y después de 10 años de haber rodado "El doctor Mabuse (Dr. Mabuse, el jugador)", dándole un giro mas a la película anterior. Expresionismo alemán, cine político, negro, fantástico y todo apoyado con un magnifico sonido, en esta obra Fritz Lang juega con el sonido dándole un significado diferente hasta ahora, escuchamos todo tipos de ruidos conformando una atmósfera poco vista hasta entonces... incluso llega a convertirse en parte de la trama.

La película nos cuenta las andanzas de una banda de delincuentes que están a las órdenes, para ellos de un desconocido, que se hace llamar Dr. Mabuse. Éste ha conseguido, por medio de sus escritos, evitar misteriosamente al Dr. Baum, el director del sanatorio donde permanece internado, haciendo efectivo su deseo de aterrorizar a la sociedad e instalar el “imperio del crimen”. Dirige desde allí la organización, ejecuta una serie de crímenes y atentados terroristas planificados por el Dr. Mabuse, asumiendo enfermizamente, en esto, la identidad de su paciente. Pero, termina por desquiciarse creyendo encarnar definitivamente al Dr. Mabuse.

Los diez primeros minutos de la película, además de soberbios y de ser un compendio del cine de Lang, constituyen uno de los mejores comienzos de la historia del cine, esta es sin duda una de las películas mas importantes de la obra de Fritz Lang, no ha llegado a las cotas de popularidad de Metropolis, ni siquiera llega a ser tan perfecta con "Las tres luces", pero en esta saga sobre el Dr. Mabuse, Fritz Lang vuelca todas sus inquietudes políticas y sus miedos hacia el poder, y mediante la saga critica y advierte de lo que se puede lograr con el poder en malas manos, conviene recordar que el Nazismo se estaba imponiendo en Alemania y que él mismo Joseph Goebbels le pidió al director que comandara la UFA, el estudio de cine mas importante de Europa hasta entonces, hecho al que se negó Fritz Lang. Ese mismo año Lang abandonaría Alemania.
Por ultimo comentar que vuelve aparecer en esta película uno de los personajes de "M el vampiro de Dusseldorf", nos referimos a el comisario Lohmann

4.- El hombre Invisible




Y siguen los años 30 con su escaparate de seres extraños, en esta ocasión sera difícil verlo (disculpen el chiste) porque se trata de El hombre invisible, basada en la novela del reputado H.G.Wells, aunque la obra toca mas el tema de la Ciencia-Ficción que el del terror.
Para la adaptacion de la novela se contrato a un peso pesado del cine de este genero, nuestro admirado James Whale, que ya dirigió en 1931 Frankenstein y que se terminaría convirtiendo en un maestro de este tipo de cine.

La película narra como un misterioso hombre llega a un pueblo y alquila una habitación en una posada, a todos les resulta una persona extraña ya que cubre su rostro con una venda y una gafas de sol. Poco a poco los rumores sobre las andanzas del visitante van llegando a los habitantes del pueblo, que ven extrañados su comportamiento y sobre todo, que siempre vaya con su rostro cubierto, la presión de los ciudadanos va en aumento provocando que descubra su cara y puedan comprobar que es invisible, causando el espanto entre la población. Para tranquilizarlos les comunica que en realidad es el científico Jack Griffin (Claude Rains), que ha inventado una pócima que proporciona invisibilidad y que la ha probado sobre él mismo, les cuenta que en estos momentos es incapaz de encontrar un antídoto que invierta el proceso y, además, que el compuesto tiene un efecto directo sobre la mente. Griffin comienza a perder la cordura. Al principio se limita a gastar bromas de mal gusto más o menos inofensivas, pero conforme la pócima va haciendo efecto, su comportamiento va deslizándose hacia la criminalidad.

Las soluciones técnicas aportadas por el gran John Fulton y el director de fotografía Arthur Edeson siguen causando admiración. Envolviendo al actor en terciopelo negro, rodando y sobreimpresionando la imagen en un fondo también de terciopelo negro, con un sistema de máscaras denominado "travelling matte", y unas miniaturas extremadamente convincentes que reaparecerían en multitud de películas de serie B. Claude Rains (debutó en el cine con este papel) hace un impresionante papel gracias a su voz, por lo que es imprescindible verla en versión original.
A pesar de que H.G.Wells firmó cuando cedió los derechos que tendría control absoluto, este no quedo nada satisfecho con el resultado, debido básicamente al humor y sarcasmo que proyecta el protagonista. Nunca se ha realizado otra versión de la propia novela, si bien el personaje ha sido representado en películas como "Memorias de un Hombre Invisible", "El hombre sin sombra" o como coprotagonista en "La Liga de los Hombres Extraordinarios". Sin duda esta versión de James Whale es superior a todas ellas.

5.- La reina cristina de Suecia





El estimable Rouben Mamoulian firma esta gran película con aires históricos, pero sin duda la gran estrella de la película es Greta Garbo. El estudio había pensado en Laurence Oliver , pero la diva exigió que fuera acompañado por un cumplidor John Gilbert, hacia unos años que protagonizaron un romance lleno de polémica que llenó los tabloides sensacionalistas de la época, juntos llegaron a rodar varios films y este seria el ultimo que hicieron juntos, la carrera de Gilbert iba cuesta abajo y Greta Garbo hizo un ultimo intento por revitalizar la carrera del actor, sumido en un alcoholismo que 3 años después terminaría con su vida.

La película nos sitúa en la Suecia del siglo XVII, en plena guerra de los 30 años, durante la cual muere en una batalla el rey de Suecia, quedando su hija Cristina (Greta Garbo) como heredera del trono. Desde muy niña esta metida en los asuntos del estado, dejando a un lado su vida personal y amorosa por el bien de su país. Pero un día decide desligarse de sus obligaciones y planea un viaje de incógnito, vestida con ropas masculinas, durante ese trayecto queda bloqueada por la nieve, no quedándole mas remedio que pasar la noche en una fonda. Allí conocerá a un enviado diplomático Español (John Gilbert), enamorándose de él y dando una nueva visión a la vida que estaba llevando hasta entonces.


La actuación de Greta Garbo es casi perfecta, sin duda si queda algo en la retina del film es su presencia durante el mismo, también destaca la fotografía, un muy brillante trabajo de William Daniel, apoyados por un magnifico trabajo de decorados y vestuarios, que dotan al film de una credibilidad y una puesta en escena que raya la perfección, y ayuda a dejar un mejor poso en esta comedia romántica.
Si bien el personaje de la Reina existió, la película discurre por una trama totalmente imaginaria.


Otras obras a resaltar en 1933

Cero en conducta
Se trata de la tercera obra del director Frances, Jean Vigo. La obra un mediometraje ya que apenas dura 42 minutos, y en ella, refleja mucho de lo vivido por el mismo en un internado, podríamos estar ante una autobiografía del autor, que tras el suicidio en prisión de su padre, el anarquista Eugène-Bonaventure de Vigo, pasó cuatro años en un colegio interno en Millau. En el mediometraje refleja sus experiencias durante la época escolar, retratando mediante 4 historias un sistema educativo burocrático y represivo. "Cero en conducta" es una crítica frontal a un sistema educativo basado en el castigo, la disciplina rígida y la permanente frustración sin expectativas de mejora y dibuja el absurdo de las clases aburridas, de los regímenes estrictos, de profesores que abusan de su autoridad de forma cruel y arbitraria. Filme fue prohibido en Francia en su estreno por su presunto mensaje antipatriótico.
Es un buena ocasión para acercarse a la obra de Jean Vigo, director con solo 4 obras (2 documentales, 1 película y este mediometraje) que falleció a la temprana edad de 29 años. 


Una mujer para dos
Una "nueva comedia sofisticada" del gran Ernest Lubitsch, después de haber hablado el anterior post de "Un ladron en la alcoba". En esta ocasión cuenta con el gran Gary Cooper como uno de los protagonistas, que junto con Fredric March, se encuentran a bordo de un tren con destino a París, ambos son amigos y amantes del arte pero sin dinero. En el tren conocen a Gilda, interpretada por Miriam Hopkins y como era de esperar.. surge el amor, se enamoran los dos de ella, y ella de los dos....a ella le resulta imposible quedarse con alguno, por lo cual no tiene mejor idea que juntos formen un trío. Entiendo que con esta premisa y en manos del genio de Lubitsch ustedes estén salivando. Una película poco conocida dentro de la filmografía de Lubitsch, que nos deja una hora y media de carcajada inteligente, diálogos fantásticos, un grupo de actores que da gusto ver y un tratamiento del tema central que deja ojiplático incluso hoy en día. Y la secuencia final es antológica.


La calle 42
Como comentábamos en la entradilla, 1933 fue el pistoletazo del cine musical y seria mediante esta "La calle 42" donde los productores descubrieron otro tipo de entretenimiento mediante los musicales, que pudieran atraer al publico. Y como estábamos viviendo una época de crisis que mejor que incluir canciones brillantes, llenas de alegría como antídoto a la pobreza y las penurias. La trama sucede en 1932, y se desarrolla en unos locales de ensayos situados en La calle 42, donde un director de musicales tiene que poner en marcha una obra en tiempo récord, después de todo el trabajo, de números musicales, de ver la rivalidad y la solidaridad entre los componentes del musical, llega el momento del estreno y su gran estrella se lesiona y no podrá actuar.
Fue dirigida por Lloyd Bacon, y las coreografías fueron supervisadas por Busby Berkeley y la película incluye canciones antológicas como 42nd street o Shuffle off to Buffalo


La vida privada de Enrique VIII
Alexander Korda fue uno de los mejores directores que dio el cine en Gran Bretaña, a pesar de su origen húngaro, se nacionalizo muy joven debido a un conflicto que tuvo con el gobierno de su país a los 26 años y ha desarrollado el grueso de su carrera en las islas.
La acción cuenta la vida del rey Ingles Enrique VIII, un poco antes la decapitación de su esposa Ana Bolena hasta el matrimonio con la que seria su ultima esposa, Catalina Parr, el ámbito temporal de la película es de 7 años. Narra la historia del tercero, cuarto y quinto matrimonio del rey y en esos 7 años nos cuenta la personalidad tan especial del rey, (caprichoso, glotón, mujeriego, egocéntrico) fijando la mirada en su vida intima, en lo que ocurría en palacio. De hecho la película esta rodada prácticamente en interiores.
Esta película tiene el honor de ser la primera obra nominada a la mejor película en los Oscars no Estadounidense. Gran interpretación de Charles Laughton

Las cuatro hermanitas
Esta dirigida por el gran director George Cukor y con ese titulo tan especial seguramente muchos os habréis dado cuenta que la película esta basada en el clásico de Louisa May Alcott, Mujercitas.
La película cuenta las vicisitudes de cuatro hermanas durante la guerra de Secesión Americana, de personalidades muy diferentes. Encontramos a una escritora en constante estado de enfado, a la soñadora joven que se quiere comer el mundo, a una artista con tanto talento como ego y a la que ha optado por ser una muy respetable ama de casa, y así las cuatro en un hogar donde el padre falta conviven mientras van creciendo entre eternas disputas y perdones como una gran familia.
En ella podemos contemplar una de las primeras lecciones sobre actuación de Katherine Hepburn, quizás un papel demasiado corto, pero suficiente para intuir lo que nos iba a entregar


¿Y en Español que...?

En España seguimos sin realizar un cine que destaque, pero aunque sea una produccion francesa, no nos queda mas remedio que hacer referencia a una de las obras maestras del aragonés Luis Buñuel, nos estamos refiriendo al mediometraje-documental, "Las Hurdes, tierra sin pan"
Con una duración de apenas 30 minutos, Buñuel realiza una radiografía sobre unas de las zonas donde la pobreza era mas cruda, la región Extremeña de Las Hurdes, mediante una severa radiografía tanto del ámbito físico como de la población que durante aquel año poblaban esas tierras. No podemos negar que la narración (realizada 2 años mas tarde del rodaje)  y lo que nos describe esa altamente exagerado. No obstante esta considerada una de las mejores obras-documental de la época.


Poco mas se puede rascar en España, pero si me gustaría hacer un breve comentario sobre tres películas producidas en Sudamérica, la primera es "Melodía de Arrabal", largometraje musical interpretado por Carlos Gardel y por Imperio Argentina. Es un policial en clave de Tango.
Desde México, nos llegan dos producciones muy estimables, la primera es "El prisionero Trece", forma parte de la trilogía que realizó Fernando de Fuentes sobre la revolución Mexicana, donde retrata a un coronel alcohólico que maltrata a su mujer, esta huye junto a su hijo, pasan los años y circustancialmente el hijo es atrapado por el ejercito que ordena su ejecución.
La segunda produccion es "La llorona" que esta considerada como la primera película de Terror del cine Mexicano, en ella nos cuenta dos historias que se suceden en un cumpleaños, un asesinato y un secuestro, una mujer maldice el haber perdido al muchacho y se suicida, su alma se convertirá en un espíritu que se aparece llorando a los habitantes.


miércoles, 11 de enero de 2017

Las 5 peliculas: Año 1932

1932 nos deja la misma dinámica, el terror y el cine de sobre gangsters sigue triunfando en las carteleras especialmente en la Americana.
Aparte de las reseñadas en el articulo, merecen una mención especial varias películas. La producción en Estados Unidos es grande y se estrena una colaboración mas entre Josef von Sternberg y Marlene Dietrich, en esta ocasión ruedan juntos el "El expreso de Shanghai", donde podemos ver, el que es considerado el mejor trabajo de la actriz alemana. Cecil B. DeMille se atreve con otra gran epopeya y rueda "El signo de la cruz", es este caso nos cuenta la persecución a los cristianos en la Roma del Siglo I. Tambien llegó "El malvado Zaroff" que versa sobre un millonario y una isla especial donde tiene un muy macabro hobby. Frank Capra sigue emocionando y estrena  "La locura del dólar" y también tenemos una obra mas de los Hermanos Marx, "Plumas de Caballo", película que no dio los resultados esperados.
Francia es otro de los países donde mas produccion hay, Jean Renoir estrena "Boudu salvado de las aguas", Raymond Bernard realiza "Las cruces de madera" o el gran Jean Cocteau nos trae su experimental y surrealista opera prima "La sangre de un poeta". Este año Sergei M. Eisenstein viaja a Mejico donde rueda una de sus películas mas celebre ¡Que viva México.
El cine de terror sigue dejando sus perlas y ademas del "El malvado Zaroff" se estrenan títulos como " La legión de los hombres sin alma", "El caserón de las sombras" o "La isla de las almas perdidas".
A continuacion las 10 mas votadas por el publico:

1.- Freaks: La parada de los monstruos




Nos encontramos como ganadora de este año a una película extraña, una obra que sin duda sorprendió al publico, por aquellas fechas el publico iba a los cines en busca de un poco de evasión, para olvidar al menos, durante dos horas, la crisis que les estaba machacando. Como comentábamos en el articulo pasado, había nacido el cine de terror, aparecieron en la pantalla criaturas extrañas, y esta película estaba dispuesta a subirse al carro, y bien que lo hizo, ya que causó un tremendo revuelo, provocando la indignación de gran parte del publico (esta documentado un caso de una espectadora que asegura que abortó viendo esta película), llegaron incluso a solicitar que retiraran la pelicula de las carteleras de los cines.
Esta extraña obra esta dirigida por Tod Browning, creador en 1927 de la magnifica Garras Humanas, y como no, de la versión de Dracula de 1931. Browning había trabajado en circos a lo largo de todo el territorio Estadounidense, y no esta de mas recordarles, que el circo de aquella época no era el espacio de risas y espectáculo que es ahora, sino una carpa itinerante donde poder exhibir todo tipo de rarezas que pudieran sorprender al publico, y seguramente por esa experiencia, tuvo la genial idea de mostrar esos "espectáculos" en la pantalla de cine.


Freaks, la parada de los monstruos, como habréis deducido, desarrolla la trama en un circo itinerante, donde poco a poco iremos conociendo a los miembros del mismo, lejos de encontrar trapecistas y payasos, este circo viaja enseñando a seres deformes: una mujer sin brazos, unas hermanas siamesas, un hombre sin piernas ni brazos, llamado por todos el torso viviente o una autentica mujer barbuda. Todo este elenco de personajes crean una microsociedad en el circo, con sus defectos y sus virtudes, hasta que Hans, un enano contorsionista recibe una suculenta herencia y desata los intereses y envidias del grupo, empezando por Cleopatra, cuyo único objetivo a partir de ahora sera seducir al enano junto con la complicidad del forzudo Hercules.

Si tiene intención de ver esta película por primera vez, le sugiero un ejercicio previo, en la época actual estamos muy acostumbrados a ver en pantalla grande todo tipo de imaginario que los autores han creado, por lo que trate de retrotraerse a aquella época, donde la imagen no era tan accesible como es ahora, e imagine lo que pudo ser para aquella gente, ver lo que Tod Browning nos enseña en la pantalla. Pero la película no es solo una sucesión de imágenes de gente deforme, sino que desarrolla una historia donde lo que va a prevalecer es el sentimiento por encima del físico.

2.- Scarface, el terror del hampa




Nos encontramos en segundo lugar una película de gangster, una más de ese genero cinematográfico casi recién nacido, pero estamos sin duda ante una de las mejores que se hayan hecho. Solo con decirles que el director de esta película es Howard Hawks podrán imaginar que no nos encontramos con una película mas, sino con la visión de uno de los mas grandes directores de la historia del cine de este genero.

Scarface nos narra el ascenso de Tony Camonte (alias cara cortada), un raterillo de origen Italiano en el Chicago de los años 20, que es miembro de una banda al servicio del uno de los mayores capos en ese momento, Johnny Lovo, pero Tony no esta dispuesto a conformarse con ese estatus y su ambición hace que poco a poco vaya aceptando trabajos mas delicados y que él mismo vaya tomando decisiones sobre los mismos, aun en contra del criterio de su jefe, para Tony Camonte solo existe un objetivo y es el texto de un cartel que cada mañana observa desde su ventana "EL MUNDO ES TUYO"


Ascensión y caída, como estaba estipulado en el género, un gangster con aires de grandeza y totalmente egocentrista con una historia por vivir y para enseñarnos. Seguramente a muchos de ustedes el titulo Scarface les retrotrae a Brian de Palma y Al Pacino, y a una cinta de casi 3 horas que llevaba ese titulo en 1983, pues sepan, que aquí tienen el embrión de esa película, y que para muchos de los amantes del cine, incluido servidor, le resulta mas interesante esta versión que la de 1983, con la particularidad que sin contarte lo mismo, pero contándotelo todo, lo hace en apenas 90 minutos. En la película ademas podemos ver hechos reales como el asesinatos  de Big Jim Colosimo (Big Louie Costillo, en el film) y de Charles Dion O'Banion en su tienda de flores, la ejecución en el hospital de Legs Diamond y el que quizás es para todos mas conocido, el de la matanza del día de san Valentín en 1929.
“Hazlo primero, hazlo tu mismo y sigue haciendolo”

3.- Vampyr




Como en el caso de Freaks, nos encontramos en esta ocasión con otra rareza, realizada en la Alemania de entreguerras y con un director Danes de culto, nos referimos a Carl Theodere Dreyer, al que ya habíamos mencionado en el articulo de 1928 con la maravillosa "La pasión de Juana de Arco". En esta oportunidad, el director nos muestra una historia de vampiros, pero a diferencia de la película Dracula de 1931, estos vampiros parecen mas reales, mas de carne y hueso, mas sucios y mas locales... "Vampiros de verdad" como dijo el maestro Alfred Hitchcock tras el visionado de estos 75 minutos de cine en estado puro.

Vampyr esta basada en los relatos "La posada del dragón volante" y "Carmilla" del escritor Sheridan Le Fanu, en ella nos cuenta como un joven estudioso de lo oculto, se encuentra de viaje y se hospeda en un castillo, donde nada mas entrar percibe una atmósfera cuanto menos extraña, allí mientras duerme, un hombre entra en su habitación y le deja un extraño paquete para que abra después de la muerte de este.
La película consigue crear una atmósfera verdaderamente enferma, enrarecida y misteriosa, jugando con imágenes que nos pueden producir cierto impacto, en ningún momento es una película de terror, y lo que busca el director no es provocarselo al espectador, mas bien el juego que busca y que realmente consigue, es que el espectador se sienta molesto y perturbado con lo que esta viendo, destacando sobre todo una escena en cámara subjetiva, que podría ser la pesadilla de cualquiera que este leyendo esto, en esa oportunidad doy fe de que lo consigue. Sin duda es una obra donde su plato fuerte radica en la parte visual.

Vampyr fue una película de encargo, pero con libertad absoluta, Dreyer conoció en una fiesta a un aristócrata adinerado, el barón Nicolás de Gunzburg, que le financió la película con la única condición de que actuara el propio Baron como protagonista. Eso se nota, ya que no es un actor profesional, aun así, Dreyer logra salvar esa condición.
A pesar de que actualmente es considerada una obra maestra del género, en su día fue un rotundo fracaso, por lo que el director danés tardaría doce años en volver a rodar su siguiente película, "Dies Irae"

4.- La momia




La momia, es otra película mas de la Universal de genero de terror, genero que iniciara allá en 1931 con Dracula y Frankenstein, pero en esta oportunidad no recurre a historias ya contadas en un libro, en esta ocasión nos lleva a Egipto y nos resucita uno de sus elementos mas conocidos de la cultura antigua Egipcia: las momias.

La trama de película se inicia en 1921, en plena fiebre de la arqueología, allí una expedición británica descubre  la momia de Imhotep, un sacerdote del Antiguo Egipto, y junto con el sarcófago se encuentra el Pergamino de Toth (que se creía un mito), este contiene un hechizo, "si alguien lo lee, el propio Imhotep resucitara llevándose consigo el pergamino y la vida del que lo haya leído". Una vez presentado da un salto en el tiempo y nos traslada a 1932, donde otra expedición esta a punto de dar con el sarcófago de la princesa Ankh-es-en-Amon, que será exhibida en un museo de El Cairo. Alguien ve el pergamino y lo lee, Imhotep como era de esperar resucita y su único objetivo sera hacer volver a la vida a su amor, que no es otra que la  princesa Ankh-es-en-Amon que se encuentra en el sarcófago recién descubierto.

Destaco la buena ambientación del film y la atmósfera de misterio y terror que logra crear su director, el hasta entonces inedito Karl Freund, que había desarrollado su trabajo como director de fotografía al servicio de la maquinaria de la Universal. Esta protagonizada por Boris Karloff, aprovechando el tirón que tenia después de su magnifica actuación en Frankenstein, me gustaría resaltar el gran maquillaje que lleva en su rostro durante la película, porque una de las curiosidades es que cuando mencionamos La momia, se nos viene a la cabeza una persona envuelta en vendas y que lentamente va hacia su victima con los brazos paralelos al cuerpo, nada mas lejos de la realidad, durante el 95% de la película el protagonista no porta ningún tipo de venda y se representa con forma humana

5.- Un ladrón en la alcoba




Película dirigida por el director alemán Ernst Lubisch, uno de los muchos directores que huyeron de Alemania y que realizó sus mejores obras en Hollywood, esta considerado como uno de los padres de la comedia, incluso un director de la talla de Billy Wilder, ha comentado la gran influencia que ha tenido sobre su trabajo, la obra del brillante director alemán.
Lubisch es el director de los diálogos precisos, divertidos y siempre con un doble sentido, siempre te esta contando una cosa pero si afinas el oído veras que te quiere decir otra. Un ladrón en la alcoba fue uno de sus primeros grandes éxitos.

Esta basada en la pieza teatral “The Honest Finder” del húngaro Aladar Laszlonos y nos narra las andanzas de un ladrón de guante blanco de clase alta, que una noche queda a cenar con una condesa, sin saber, que ella es una carterista haciéndose pasar por condesa, para asi poder robar a sus victimas mas fácilmente. Al conocerse, pronto descubren que están hechos el uno para el otro, comenzado una relación tanto personal como "profesional". ¿Quien podría sospechar de esta pareja tan interesante?. Una vez que establecen su relación, llega el momento en el que entra en escena la víctima,  Madame Mariette, una acaudalada dama de la alta sociedad con una personalidad tan vacía, como llenos tiene sus bolsillos, aun así ella conseguirá poner en jaque a la pareja.

Es una autentica delicia pararse en cada dialogo que ocurre durante el film, tiene unos diálogos, sublimes, fantásticos, y acabó convirtiéndose sin duda, en una de las películas de referencia de la denominada "comedia sofisticada" de los años treinta, que como no podía ser de otra manera, esta salpicada de momentos de sexo sugerido. En el despreocupado mundo paralelo creado por Lubitsch, las relaciones sexuales que se dejaban adivinar eran alegres, liberadas y desprovistas de culpa, y aquí exhibe su poderío. Pocas ocasiones mas podría llevarlo a la pantalla, la película vio la luz gracias a que el Código Hays o censura, aún se estaba gestando pero cuando se  intentó volver a estrenar en 1935, no sólo se prohibió, sino que se retiró el film hasta 1968.

Otras obras a resaltar en 1932

He nacido pero
Película que nos llega desde Japon, este país dio 4 auténticos maestros de los que seguramente hablaremos mas adelante, Mikio Naruse, Kenji Mizoguchi, Akira Kurosawa y Yasujiro Ozu, a este ultimo pertenece la realización de esta película, y fue una de las primeras muestras del gran cine que se hacia en Japón.
La película nos cuenta como una familia se tiene que trasladar a uno de los suburbios de Tokio en busca de trabajo, los hijos tienen que adaptarse a las nuevas circunstancia, pero ven como una pandilla de gamberros les hacen la vida imposible, entre la pandilla se encuentra el hijo del jefe de su padre. Esta circunstancia creara un conflicto entre padre e hijos.
Con una realización sencilla, este drama no esta exento de verdaderos momentos cómicos que dulcifican el drama y conflicto que se esta desarrollando en pantalla, basta como ejemplo ver a uno de los niños limpiar el suelo antes de hacerse el muerto para no mancharse la ropa, o aquel que se cuelga un cartel donde advierte que no se le puede dar de comer nada ya que esta malo de la tripa. El filme cuenta con magníficas interpretaciones, destacando los niños, todos ellos muy expresivos y creíbles, con la naturalidad y el desparpajo que suelen tener ante las cámaras.


Soy un fugitivo
Pelicula norteamericana dirigida por Mervyn LeRoy y que tiene entre sus actores como estrella  Paul Muni que tambien protagonizó Scarface. Se trata de un retrato de las injusticias del sistema judicial americano, James Allen vuelve de la primera guerra mundial con nuevas ideas para encauzar su vida, ha estudiado una ingenieria y recorre el pais en busca de un puesto de trabajo digno, en uno de sus viajes y durante un atraco una persona resulta muerta y sobre él cae la culpabilidad sin haber hecho absolutamente nada.
La película se basa en el relato autobiográfico de Robert E. Burns y posee un guion magníficamente escrito y magistralmente dirigido por Mervyn LeRoy, que lo convierte en un esplendido drama carcelario donde se muestra sin censura ni tapujos la verdadera vida en la cárcel.


Gran Hotel
Nos encontramos ante la que quizas sea la gran pelicula de 1932, al menos a nivel de estrellas en su reparto y recursos para la realizacion del mismo, de hecho es uno de los primeros films que toman la denominacion de "all star films", ya que varias estrellas de renombre comparten escena, entre ellos encontramos a Greta Garbo, John Barrymore, Joan Crawford, Wallace Beery o Lionel Barrymore.
La película nos narran las andanzas de varios personajes en un hotel de Berlin, donde sus historias se van entrecruzando unas con otras. Un empresario textil arrogante, su bella y pobre secretaria, una bailarina de ballet en crisis, un barón arruinado convertido en ladrón de guante blanco o un médico excombatiente de la Primera Guerra Mundial, van pululando por el hotel dejándonos sus historias.
Greta Garbo en esta película hizo su célebre declaración "quiero estar sola", frase asociada eternamente con la reclusiva estrella.
"La gente viene y la gente se va. Y nunca pasa nada" Con esta frase se inicia y se cierra esta pelicula dando una idea de lo que nos puede contar en pantalla.

Adios a las armas
Estamos ante una de las peliculas mas famosas de este primer lustro de los años 30, no es que sea una autentica obra maestra, pero tiene cierta mistica debido a que se basa en un relato de Ernest Hemingway, la presencia de Gary Cooper y Helen Heyes, y el temple y la buena mano de Frank Borzage a la hora de dirigir, ha supuesto un total espaldarazo a esta produccion a pesar del tono ultraromantico y por momento ñoño que destila.
Como hemos mencionado la película se basa en el libro escrito en 1929 por Ernest Hemingway y es un alegato antibelicista, mediante la historia de amor que se desarrolla entre los dos protagonista, él un conductor de ambulancias americano, ella una enfermera de Gran Bretaña, el primero al sufrir un ataque, queda ingresado en el hospital donde ella trabaja, el flechazo es inmediato y rápidamente deciden que una vez terminada la guerra unirán sus vida, pero al final comprobaran como la guerra destruye todos sus proyectos y la ilusión de un vida compartida, una vez que haya terminado la guerra.

Tarzan de los monos
La primera película de la saga protagonizada de Johnny Weissmuller, es para el que escribe esto e imagino que para muchos de vosotros, la mejor adaptación que se ha realizado de la novela de Edgar Rice Burroughs, aquella en el que el espíritu esta mejor plasmado y la que mejor nos hace evocar ese Africa misteriosa e inhóspita que existía durante aquellos años.
Estamos ante la historia de amor entre una dama acaudalada e intrépida y el niño que se perdió en la selva y que fue adoptado por los monos convirtiéndose en uno mas de ellos que tras el encuentro con una expedición de exploración por su tierra, muestra su verdadero lado humano, sobre todo ante la presencia humana, sensual (difícilmente se crearan unas imágenes tan sugerentes) y hechizante de Jane ( brillante Maureen O'Sullivan).
Es una película que todo buen cinefilo debería ver y si es acompañado de chiquilleria mucho mejor,
Como curiosidad el personaje de Chita fue creado especialmente para esta película, ya que nunca había aparecido en las novelas originales de Burroughs.

.. ¿Y en Español que?

España y el cine en habla hispana sigue sumido en un letargo que la crisis y el retraso en el que estaba sumido el país no ayudaba demasiado al cine. Si podemos contar que en ese 1932 la Republica española financió y rodó una serie de documentales sobre el trabajo de las “Misiones pedagógicas”, organismo creado por el gobierno de la II República para recorrer los pueblos más humildes y abandonados, acercando hasta ellos la cultura a través de los libros, el cine, el teatro y el arte.
Tambien quería destacar que en Mejico se rodó la primera película hablada de ese país con un enorme éxito tanto de publico como de la critica internacional, "Santa" que nos cuenta la historia de amor entre una humilde muchacha y un soldado, que termina por abandonarla, a lo que su familia reacciona repudiándola y echándola del hogar, quedando condenada a ejercer la prostitución.

jueves, 22 de diciembre de 2016

Las 5 peliculas: Año 1931

Nos encontramos en 1931, un año donde se puede decir que se inicio el cine negro y donde el cine de terror dio sus primeros pasos realmente serios creando películas que han quedado en el recuerdo de mucha gente y que se han convertido en clásicos indiscutibles, un año repleto de buenas películas y proyectos muy interesantes que han quedado en el olvido, como la Brasileña "limite" o un nuevo documental de Dziga Vertov, en este caso "Entusiasmo. Sinfonía del Donbass". Pero los grandes aparecian, Jean Renoir estrenó "La golfa" dando pistas de lo que iba a dejar para la posteridad, Josef von Sternberg volvería a colaborar con Marlene Dietrich en "Fatalidad" y Yasujiro Ozu asomaba con Tokyo Chorus. El Western triunfaba con "Cimarron" y Greta Garbo se ponía en la piel de la mas famosa espía... "Mata-Hari".. pero las elegidas fueron las siguientes:



M, el vampiro de Dusseldorf





Parece mentira que una producción alemana rodada hace más de 80 años tenga esa calidad en todos sus aspectos, destacando por encima de ellos el guión y la fotografía. El director alemán Fritz Lang fue uno de los más grandes, (junto Howard Hawks y Raoul Walsh son los directores que han conseguido realizar buenas películas en casi todos los géneros)  es el culpable de esta obra maestra, el mismo que enamoro a Hitler, y fue propuesto por el Fuhrer para ser el director de cámara del régimen, pero Fritz Lang desistió y tuvo que emigrar a Hollywood, donde fue contratado por la M.G.M. donde desarrollo una de las mas brillantes carreras. M, el vampiro de Dusseldorf " se puede considerar un Thriller psicológico, y su estética y guión se ha intentado copiar muchas veces. A Fritz Lang ya le hemos traído al blog, como realizador de Metropolis en 1927 y La mujer en la luna en 1929.

La trama nos sitúa en el Berlin de los años 30, un asesino a serie esta acosando la ciudad a la que tiene sometida a un estado de histeria insoportable, ya que el objetivo del asesino son las niñas a las que secuestra para matarlas, nadie le conoce, la policía no tiene ninguna pista de él y cada intento para capturarlo acaba en un rotundo fracaso, incluso el crimen organizado esta pagando las consecuencias de dicho asesino en serie ya que la policía tiene vigilado a todo el mundo, por ello es el mismo crimen organizado quien decide ponerse manos a la obra y mediante su red de espías y los mendigos trazan un plan para conseguir dar con el asesino.. la ciudad se ha volcado para encontrarlo.

Es una obra que te oprime, desde las imágenes, el ambiente, el desarrollo de la misma, vives inquieto a pesar que desde los primeros minutos el rostro del asesino ha quedado claro para los espectadores  y es el gran acierto de Fritz Lang, la manera que tiene de trasmitir lo que esta pasando en pantalla y que tu, como espectador te veas implicado en ello.
Tiene pasajes realmente míticos, pero si hay que decantarse por alguna es por el comienzo de la película y la escena del globo. El silbido del asesino, cada vez que aparece en escena, es otra de las señas de identidad de la película. Los 15 minutos finales se encuentran entre los mejores de los inicios del cine sonoro, y Peter Lorre será recordado por esas escenas intentando defenderse de esa muchedumbre que pedía su muerte

Antes de continuar con el resto de titules, pasen a conocer un poco mas la pelicula con el magnifico articulo que nos regaló Juan Murillo para esta web y que empieza de esta manera:

"Si hubiera que escoger a directores esenciales para entender lo que es el arte cinematográfico puro, uno de ellos sería sin lugar a dudas el vienés Fritz Lang. Artista brillante, conciso e intenso que dejo su huella imperecedera en todos los géneros que abordó.
En el año 1931 Lang, inspirándose en un suceso real ocurrido apenas un año antes en la ciudad de Düsseldorf, filma una de sus muchas obras maestras de su primer periodo alemán. Se trata de su primera película sonora en la que se adapta perfectamente a este cambio.... Continuar leyendo la critica de M, el vampiro de Dusseldorf "

Luces de la ciudad



Luces de la ciudad (City Lights, 1931) fue realizada en tiempos del sonoro, pero Chaplin se resistia a someterse a las leyes de la industria, y arriesgando todo siguió haciendo un film que carece de palabras pronunciadas, pero que contiene música y poesía.... la poesía del gesto. Si, en realidad, Luces de la ciudad posee música y efectos sonoros, que potencian y encajan a la perfección con la historia. Una película obsesivamente pensada y meditada por parte de Chaplin, cuyo perfeccionismo hizo que la planificación se extendiera a lo largo de dos años, para realizar la que sería, hasta este momento su mejor película, no se equivocó, obtuvo uno de los grandes éxitos de público y crítica de su carrera.

El argumento es muy sencillo pero resulta  realmente efectivo: Charlot, el personaje que una y otra vez ha representado Charles Chaplin, se enamora en esta ocasión de una vendedora de flores callejera que sufre ceguera. Debido a la falta de visión ella lo confunde con un millonario, una escena maravillosa donde la importancia del sonido (que no oímos) deja patente la postura del director. Charlot prefiere seguirle el juego no la saca del error, y así poder estar con ella, es feliz al lado de la vendedora, (interpretada por Virginia Cherrill) momento en el que Charlot, impide a un millonario suicidarse, después de que a este su mujer le haya abandonado y se entabla una amistad un tanto particular: cuando el rico está ebrio es el mejor amigo de Charlot, pero cuando está sobrio ni lo conoce, y es una persona totalmente distinta, altiva y soberbia, todo lo contrario de lo cariñoso y desprendido que es estando borracho. La vida entre engaños transcurre serena, pero todo terminara cuando la joven ciega recibe una carta avisandola que si no paga el alquiler deberá dejar el piso. Charlot hará todo lo posible por ayudarla (aunque no tiene ni un centavo), desde trabajar, boxear o echar mano del amigo rico.

Virginia Cherrill como dijimos, interpreta a la muchacha ciega de la que se enamora Charlot, el papel femenino más importante de la película. El propio Chaplin había elegido personalmente a la joven, sin ninguna experiencia previa en el mundo del cine. Sin embargo, la relación del director y la actriz fue fría, aunque sin un verdadero enfrentamiento entre ambos. Hay quien dice que Chaplin le achacaba su poca implicación personal con el film (con el cual se jugaba mucho, a nivel personal, Chaplin), aunque por otro lado se dice que fue la primera vez que Charles Chaplin dirigía a una actriz protagonista de la cual no se sentía atraído, ni física ni profesionalmente. Lo único seguro a ciencia cierta es que Chaplin y Cherrill no congeniaban. Hasta tal punto, que rodando la escena final de la película se llegó al punto culminante de la tirantez entre ambos, y Chaplin despidió a la actriz. Otro de los aspectos a tener muy en cuenta es la banda sonora del film, con la magistral La Violetera, de José Padilla, que define perfectamente el sentimiento que transmite la película.


El doctor Frankestein



Estamos ante la segunda película que la Universal dedica al genero de terror, desenterrando monstruos literarios que habían quedado impreso en los lectores de ese genero y que supo desarrollar el estudio de una forma magistral, poniendo en imágenes los miedos de todos aquellos que habían leído previamente las novelas y en un trabajo muy estimado, lanzar al estrellato a algunos actores que han quedado en la retina de todos, en esta ocasión fue la carta de presentación de Boris Karloff, aprovechando que Bela Lugosi había desestimado el papel. El monstruo en esta ocasión elegido fue Frankenstein de Mary Shelley, y eligió para dirigirla a James Whale que por aquel entonces solo tenia una obra en su haber, El puente de Waterloo, y que logró darle su firma y su estilo particular a este monstruo.

Poco podemos descubrir del argumento de Frankenstein que no conozcan, ya que de algún u otro modo para todos es conocido como ese doctor, quizá excéntrico, quizás loco, busca a cualquier precio crear vida, sin tener en cuenta las consecuencias que esto puede ocasionar, así recogiendo secretamente partes de cadáveres de distintos lugares, y aprovechando una noche de tormenta en un lugar recóndito y solitario, únicamente acompañado de su servidor, y mediante unos artilugios eléctricos que él mismo ha diseñado esta a punto de traer a la vida a un ser creyéndose así convertirse en un verdadero Dios. Mientras en el pueblo Elizabeth, vive angustiada con los secretos de su prometido y decide junto a un amigo común ir a hacerle una visita la noche que tiene lugar el experimento.

Sorprende la capacidad de síntesis que tiene el film, todo lo narra en 67 minutos de duración, Whale va directo al grano, aunque vista hoy en día la película no da mucho miedo, en su momento se consideró terrorífica. Por ejemplo, en la primera escena de la película en el cementerio en la que Henry y Fritz desentierran un cadáver y posteriormente descuelgan el cuerpo de un delincuente ahorcado, fue la primera vez en el cine norteamericano en la que aparecía un cadáver en la pantalla. Por otra parte, la sola visión de Karloff caracterizado como el monstruo bastaba en aquella época para aterrorizar a la platea. La escena mas conocida de la película, aquella protagonizada por una niña llamada Maria y su encuentro con el monstruo, fue censurada en muchos países y estuvo a punto de perderse, afortunadamente todos podemos disfrutar de ella. La película contó con una secuela: La novia de Frankenstein, otra película de culto y para muchos superior a esta obra, también protagonizada por Boris Karloff, sin duda el actor que todos guardamos en nuestras retina cuando oímos la palabra Frankenstein.


El enemigo publico



William A. Wellman, ese nombre ha pasado a la historia por ser el realizador de la primera película oscarizada, Alas, pero no solo por eso, tiene en su haber un puñado de grandes películas y esta se encuentra entre ellas, nos vamos a conocer a El enemigo Publico, vamos a desentrañar brevemente la película que junto con Hampa Dorada, nos marco el estilo de las películas de Gangster, y que nos trajó ese nuevo concepto que fue El cine negro. El enemigo publico es dura, tiene unas imágenes y ciertos sucesos que se desarrollan en la trama, que años después con la implantación de código Hays hubiera sido imposible que se hubieran exhibido en una sala de cine, pero no solo tiene eso, juega de manera magnifica con el paso del tiempo, nos muestra como los protagonistas van creciendo, van esculpiendo su personalidad en cada etapa de su vida que nos muestra el realizador, es la historia de una amistad, es la historia de unos chiquillos, que quizás porque fue el camino mas corto hacia el éxito o el único que les dejaron coger, que no llegan a convertirse en lo que habían soñado, pero si algo muy cercano a ello, aunque no sea lo que cada madre sueña para ellos.

El enemigo publico nos va a contar la historia, quizás un poco maquillada del mafioso Henry Earl Wojciechowsky, o también conocido como Hymie Weiss y como mencionábamos anteriormente nos cuenta la historia de Tom y Matt, dos delincuentes juveniles que con el correr de los años terminan dirigiendo su propia banda y participando en el crimen organizado. Tom es extremadamente violento y empieza a tener problemas con sus allegados. Su madre prefiere ignorar sus actividades pero su hermano Mike, un héroe de guerra, le ordena no retornar al seno familiar mientras siga dedicandose a los chanchullos.

Portentosa actuación una vez mas de James Cagney, le acompañan muy correctamente, la prematuramente fallecida Jean Harlow (1911- 1937) y un Edward Woods que muy pronto vio como su carrera como actor se truncaba, pero todos quedan eclipsados por la enorme interpretación de Cagney.

Dracula



Estamos ante la primera película que el Estudio Universal dedico a los monstruos, no fue una jugada fácil, de hecho ya tenia referentes de este monstruo con la película dirigida por F.W.Murnau en 1922, que si bien como hemos comentado en artículos anteriores no tuvo el beneplácito de la viuda del autor de la novela de Dracula, si que fue un calco de la misma en muchas de sus partes. Quizás, por el éxito de la novela, quizás también porque el Nosferatu de Murnau causo impacto entre el publico, la Universal decidiera empezar este ciclo con tal personaje, si bien como podréis comprobar dulcifico las facciones del monstruo dándole un aspecto mas humano. Y si Frankenstein sirvió para el descubrimiento de Boris Karloff, aquí sucede lo mismo con un actor de origen Hungaro llamado Béla Ferenc Dezső Blaskó y que se hizo llamar en el mundo de Hollywood Bela Lugosi, y que quedó emparentado a ese personaje como nadie, cuenta la leyenda que él mismo se creía un vampiro, cosa harto difícil, como bien rescató Tim Burton con su película Ed Wood, fue otra clase de adicción la que termino con su carrera y no el hecho de creerse un Vampiro.

Poco podemos contar del argumento que no sea conocido, hemos tenido múltiples versiones en el cine de Dracula y quien mas quien menos ha visto alguna, o esta de 1931 o la protagonizada por Cristopher Lee para la Hammer en 1958 o quizás la mas romántica y de las mejores realizadas en los últimos años, la de Francis Ford Coppola, todas tienen un denominador común, "el no muerto", el ser que regresa de la muerte, que no puede tocarle el sol, que odia los crucifijos, pero tambien esta la historia de ese abogado que viaja a Transilvania a cerrar un negocio y llega a un castillo donde un ser, extraño y odiado por todos los habitantes de la comarca le pide que le consiga una casa en Londres y que para lograrlo consigue hacer, a su manera particular, suyo al abogado. Allí una vez en Londres, el conde Dracula conocerá a Mina

La película esta dirigida por el grandisimo Tod Browning al que hemos mencionado aquí con su obra Garras Humanas, como curiosidad contaros que ese mismo año, además, se estrenó otra película sobre el conde, la versión en español: Drácula. Esta última rodada con el mismo guión pero con distintos actores tanto latinoamericanos como españoles, pudiéndose observar en la misma, por tanto, distintos acentos según el intérprete en cada momento. Como curiosidad el rodaje tenía lugar el mismo día, filmándose durante el día la versión inglesa y durante la noche la versión en español.


Otras obras a resaltar en 1931

Hampa dorada
Estamos ante la película que desataría la fiebre por las películas de gangsters, si bien hubo algún titulo anterior, esta consiguió darle el empaque y la calidad necesaria para lanzar a los estudios cinematográficos a realizar producciones de este tipo. Dirigida por Mervyn LeRoy y basada en una novela de W.R. Burnett, fue la presentación de un interprete que nada mas ver su cara lo relacionamos con el genero, hablamos de Edward G. Robinson que ha pasado a la historia como el icono del genero.
La película nos narra la vida de Cesare ‘Rico’ Badello -personaje lejanamente inspirado en Sam Cardinella, mafioso real del Chicago de la Ley Seca, auténtico eje gravitatorio a cuyo alrededor se dibuja el esquema prototípico del género: los paupérrimos orígenes del inmigrante, la ambición desbocada hasta transformarse en una encarnizada, sangrienta y egomaníaca lucha por el poder; la caída de un imperio fulgurante con pies de barro y la purga definitiva del elemento corruptor necesaria por el bien de la sociedad.
Nominada al Oscar a la categoría de  mejor guion.


Tabú
Película pensada en un principio para dos directores ilustres de aquella época, por un lado Robert Flaherty, considerado como el padre del Documental Norteamericano y que ya nos había deleitado con una obra como Nanuk el Esquimal y por director aleman F.W. Murnau en la que seria la ultima obra del antes de su fatídico accidente de automóvil el día anterior al estreno de la misma. A mitad del desarrollo de la película Robert Flaherty abandonó el proyecto ya que el quería que se filmara con mas elementos del genero documental del que se estaba realizando.
El film se desarrolla en las islas de Tahiti y Bora-Bora y narra como los indígenas viven en aquellos lugares tan remotos y lejos de la civilización. La película está dividida en dos capítulos: El Paraíso, donde se describe la felicidad de los amantes en la aldea donde viven, y El Paraíso perdido, donde los amantes escapan de la isla para intentar esquivar los designios de los Dioses que señalan a la bella Reri como la “doncella sagrada” que no puede entregarse a ningún hombre ni a ningún tipo de amor terrenal.
Oscar a la mejor fotografia

Pistoleros de agua dulce
De nuevo otra obra de los Hermanos Marx, su tercera película y la tercera ocasión que hablamos de ellos, y tercer éxito de publico, en esta ocasión se meten en la piel de cuatro polizones en un barco rumbo a Estados Unidos. En mitad del trayecto son descubiertos y deberán huir a lo largo y ancho del barco, siendo perseguido por la tripulación y originando divertidas y caóticas situaciones. La mas brillante quizás es aquella en la que Groucho y Zeppo se aliarán indirectamente con un mafioso, mientras que Chico y Harpo harán lo mismo con el rival,  Zeppo se enamora de la hija del mafioso rival, Groucho de la mujer de su nuevo "jefe", y Chico y Harpo a lo suyo.... muy de Hermanos Marx.
Cabe destacar que esta es la primera película en la que no aparece Margaret Dumont siendo sustituida en el papel femenino por Thelma Todd, excelente actriz cómica que trabajó con Lauren y Hardy, o Buster Keaton entre otros. Su personaje es distinto a los característicos de Dumont en esta ocasión representa a una chica sexy e inteligente que se siente atraída por la alocada personalidad de Groucho, y que además es correspondida.

Viva la libertad
Dirigida por Rene Clair, narra la de fuga de dos amigos de la cárcel donde están recluidos, en la misma Emile es capturado y asi consigue que su compañero Louis pueda huir, una vez fuera a este le sonríe la suerte y rapidamente hace fortuna y logra poner en pie un negocio que le da suculentas ganancias y un tren de vida muy alto, cuando Emile cumple su condena entra a trabajar en la fabrica de Louis sin que este sepa nada.
Rodada en clave de humor y musical con unas interpretaciones magnificas, se comenta que Chaplin se inspiro en la película de Rene Clair para crear Tiempos Modernos, incluso hubo por medio una demanda de plagio que se resolvió favorablemente para el director Ingles, entre otras cosas porque para Rene Clair era un honor que un creador de la talla de Chaplin pudiera haber tomado alguna idea de su obra. La película recuerda por momento a las mejores obras de un genero ya en aquella época olvidado, nos referimos al Slapstick.
Nominada al Oscar a la Mejor dirección artística

El hombre y el monstruo
El hombre y el monstruo esta dirigida por Rouben Mamoulian y no es mas que la primera versión sonora de El doctor Jekyll y Mr. Hyde, que en las manos de Rouben Mamoulian adquiere una sorprendente carga sexual, si tenemos en cuenta la época. Aunque lo más sorprendente de la película es el trabajo del propio Mamoulian tras la cámara, con una dirección adelantada a su época que se desprende de la rigidez y teatralidad del cine sonoro temprano y que deja como prehistóricas a sus primas Frankenstein y Drácula, estrenadas el mismo año. Las actuaciones son solventes, siendo Fredick March en su doble papel quizás el más destacado de todos, creando una caracterización muy interesante del descontrolado Hyde que le valdría ganar el Oscar ese año. Una fantástica ambientación acaba por completar un clásico imperecedero del cine de terror que no dudo en recomendar.
Fue el primer film proyectado en la historia del Festival de Venecia (el festival de cine más antiguo del mundo), el 6 de agosto de 1932. En su primera edición, no hubo premios oficiales.


.. y en lengua Española que?

Poco, muy poco podemos hablar del cine en ese año desarrollado en España, ni en Sudamérica hubo algo que pudiera dignificar este arte, si acaso mencionar el interesante documental "Los judíos de patria Española" de Gimenez Caballero y cuyo visionado podemos disfrutar completamente gratis y de forma legal en el archivo de la Filmoteca de RTVE, os dejo el enlace al final del articulo.
En cambio el cine no se paraba y en aquel 1931 nacía Compañía cinematográfica española creada por el ingeniero de sonido y empresario vasco Ricardo María de Urgoiti y el cineasta aragonés Luis Buñuel aunque no dará sus frutos hasta 1935. También en aquel año el mismo Urgoti y a raíz de la empresa anteriormente mencionada creo el Cineclub Filmofono con una clara raíz Comunista ayudaba a la difusión del cine Sovietico aunque no solo se proyectaban cine de aquel país, también se podrían ver las vanguardias de Alemania o Francia

Los Judios de patria española - FILMOTECA DE RTVE